129. SERENITY

SERENITY, 2005

(SERENITY) 114´                                                                        JOSS WHEDON

“Recuerda, si me ocurre algo o no vuelvo en una hora…¡coge la nave y ve a rescatarme!”

Capitán Malcolm Reynolds

Joss Whedon trata de obsequiar a los fans con un regalo fin de fiesta tras la defenestración por parte de Fox de la serie para televisión Firefly de la que esta película supone una suerte de epílogo. Posiblemente los seguidores de la serie disfruten más de una propuesta que al resto puede resultarnos insuficiente al dar la sensación de quedarse a medio camino.

Si bien Whedon acierta con una ambientación que bebiendo de diferentes fuentes logra crear un mundo propio con entidad y presenta a unos personajes centrales atractivos, su principal escollo lo encuentra al tratar de abarcar demasiadas tramas y subtramas, algo que si bien en una serie para televisión puede ser desarrollado sin mayor problema, en el caso de una película de dos horas provoca que el resultado final quede cojo.

Entretenimiento sin exigencias para los neófitos de la serie origen, un digno cierre para los seguidores de esta, Whedon seguía manifestándose un interesante creador de series para televisión y prometedor realizador de cine aunque algo falto de personalidad.

ME GUSTA: Whedon le echa arrestos sabiendo que no se juega nada.

NO ME GUSTA: Sobran secundarios de una sola secuencia.

FRASE RESUMEN: Joss Whedon intenta crear su propio universo interplanetario emulando sagas como Star Trek o La guerra de las galaxias, pero se queda a medias.

128. EL BUENO, EL FEO Y EL MALO

EL BUENO, EL FEO Y EL MALO, 1966

(IL BUONO, IL BRUTTO, IL CATTIVO) 151´                           SERGIO LEONE

“Cuando vayas a disparar dispara, no hables.”

Tuco

Sergio Leone cierra su denominada trilogía del dólar con esta obra maestra del género, tan violenta como cómica, y donde el director italiano lleva al éxtasis más absoluto sus particulares marcas de la casa, con esa fijación por alargar las secuencias casi hasta la extenuación pero con una pericia magistral para que no resulten tediosas. Asimismo podemos deleitarnos con esos primerísimos planos además de su habilidad a la hora de posicionar la cámara en las zonas más recónditas y originales, no pudiendo dejar de lado tampoco la magistral banda sonora de su colaborador habitual Ennio Morricone.

Los tres personajes que dan vida al título de la película están magistralmente definidos sobre el papel y en la pantalla e interpretados de manera soberbia por un hierático Clint Eastwood o un despiadado Lee Van Cleef. Pero es Elli Wallach y su personaje de Tuco quien logra para si los mayores elogios gracias a un pistolero tan ruin y mezquino como genial en sus insertos cómicos, alguien a quien el espectador acaba por desearle la mejor de los suertes. Leone demuestra  abiertamente su predilección por este personaje, siendo el que más desarrollo muestra en la película y al que más metraje se le brinda.

Una obra magna que demuestra todas las virtudes de su director a través de una historia grandiosa en su simplicidad, unos personajes mayúsculos y un puñado de frases seminales para el recuerdo.  

ME GUSTA: La interminable lectura de cargos contra el personaje de Tuco antes de ser ahorcado, genial como Leone inserta la comicidad en una película por otra parte tan dramática.

NO ME GUSTA: Que Sentencia no tenga más minutos en pantalla.

FRASE RESUMEN: ¿Quién dijo que el spaguetti western era un género de segunda?

MICHELLE PFEIFFER

Los ojos más bonitos del cine contemporáneo se dieron a conocer mundialmente gracias a su papel de trepa cocainómana Elvira Hancock en la estupenda El precio del poder (1983). Sin embargo apenas un año atrás, Michelle Pfeiffer había formado parte de la innecesaria continuación del mega éxito que fue Grease (1978) y que sin embargo no era tan infausta como se pretende hacer ver. Y no lo era por dos motivos, la presencia siempre gratificante de la Pfeiffer y un grupo de canciones que sin llegar a ser los títulos de culto de su predecesora formaban una atractiva banda sonora. Cierto es que por lo demás la cinta no hay por donde cogerla, con un sosias Maxwell Caulfield invirtiendo papeles, ya que el interpretaría el rol de apocado muchacho que se enamora de una ruda Michelle Pfeiffer. También se sustituyen los automóviles por motocicletas, pero inexplicablemente volvemos a tener al actor de la cara picada Dennis Stewart como villano de la función.

El fracaso de la cinta afortunadamente no hizo mella en la carrera de la actriz, otro cantar fue el caso de su compañero de reparto masculino que no levantaría cabeza tras su desafortunado debut cinematográfico. Michelle Pfeiffer encadenaría de esta manera continuos éxitos de crítica y público demostrando ser una de las actrices más bellas de los ochenta, luciendo espectacularmente en Lady Halcon (1985), más solventes, capaz de cantar en Los fabulosos Baker Boys (1989), medirse de tu a tu a Sean Connery en La casa Rusia (1990)o cargar sin problemas con toda una película como hacía en Mentes peligrosas (1995), e incluso cuándo se ponía a ello, sexy como ninguna tal como demuestra su Catwoman de Batman returns (1992) y es que nunca, por mucho que Halle Berry luciera más carne que traje en Catwoman (2004), el personaje de comic lució más espectacular que bajo la piel de una Michelle Pfeiffer que a día de hoy continúa trabajando aunque espaciando sus apariciones cinematográficas de cara a poder dedicar más tiempo a su familia. Y a nosotros que nos pesa esta decisión.

GREASE 2 (1982)

127. ZOOTROPOLIS

ZOOTROPOLIS, 2016

(ZOOTOPIA) 108´                 BYRON HOWARD/RICH MOORE/JARED BUSH

“No importa el tipo de animal que seas, el cambio empieza por ti.”

Judy Hopps

Una estupenda película de animación que primero te sorprende por su vistoso y espectacular diseño de personajes y escenarios para terminar atrapándote con una historia lo primero muy interesante, pero que además está muy bien narrada, ofreciendo casi hora y tres cuartos de entretenimiento sin fisuras.

Como película Disney que es no puede dejarse de lado la habitual moralina muy presente a lo largo de toda la historia, aunque bien es cierto que encaja en el relato de la cinta, no resultando forzada y que incluso se agradece en lo que por lo demás, es un estupendo remedo del género policíaco adaptado al particular universo de la animación de Disney, animación por otra parte sobresaliente.

Puede que sea precipitado por ser las fechas que son, pero quizás a finales de año estemos hablado de Zootropolis como uno de los títulos de animación del año, estupendo disfrute para los más pequeños pero con capacidad para enganchar igualmente al público adulto. Es hora de liberar el animal que todos llevamos dentro.

ME GUSTA: Disfrutar de las voces de actores de doblaje y ver que no se ha optado por los famosetes de moda como suele ser habitual en el cine de animación.

NO ME GUSTA: Me sobra Shakira y la canción de turno.

FRASE RESUMEN: Bestialmente divertida.

126. EL MEXICANO

EL MEXICANO,  2003

(ONCE UPON A TIME IN MEXICO) 97´                          ROBERT RODRIGUEZ

“Por ti, por nuestra hija, por México.”

El mariachi

Robert Rodriguez vuelve con el personaje del mariachi que le dio a conocer en una película llena de pirotecnia y fuegos de artificio que sin embargo da toda la sensación de usar cartuchos mojados, ya que el resultado final queda lejos de lo que seguramente sería un planteamiento mucho más espectacular sobre el papel.

El problema en este caso es que los personajes excéntricos tan habituales en el cine del director de origen mexicano apenas funcionan, con la excepción de un Johnny Deep que si muestra en ocasiones fogonazos de estupendo personaje, la acción no está a la altura de lo que suele ser habitual en las películas de Rodriguez siendo la escena más redonda a ese respecto la huida de Banderas y Hayek esposados entre la fachada de un edificio y el equilibrio entre acción y humor no existe apenas ya que la cinta se toma a sí misma demasiado en serio.

Banderas vuelve a ofrecer un protagonista potente, lástima que la presencia de su partenaire femenina se limite a meros fogonazos mediante el recurso de flashbacks, ya que la química entre ambos actores fue uno de los puntales de Deseperado, con la que El mexicano acaba siendo indefectiblemente comparada, y así mientras Deseperado se antojaba fresca y novedosa en su estilo en esta ocasión todo da la sensación de recurso manido y poco logrado.

ME GUSTA: Rodriguez sigue fiel a su estilo, a veces funciona mejor y otras peor, pero no pierde su marca de la casa.

NO ME GUSTA: Tienes en el reparto a gente como Banderas, Hayek, Blades, Dafoe, Rourke, Deep, Armendariz, Marin… ¿por qué Enrique Iglesias?

FRASE RESUMEN: El Mariachi consigue su trilogía.

DRACULA DE BRAM STOCKER

La versión que Francis Ford Coppola dirige de la novela de Bram Stocker abunda en elementos eróticos, presentes tanto en conversaciones entre personajes (así sucede en el caso de algún  diálogo entre Mina y Lucy) como en escenas donde la carnalidad y la elegancia formal a la hora de presentarla son los elementos predominantes.  Quizás la secuencia más recordada por el espectador a este respecto sea la de la seducción por parte de unas lanzadas vampiresas a un mojigato Jonathan Harker, jugando Coppola con las luces y texturas de las telas entre las que aparecen estas figuras tan eróticas y excitantes como letales, en clara alusión al pecado y sus funestas consecuencias, como bien queda patente en la resolución de la escena. Buena parte del éxito de esta escena sea la aparición de una primeriza Monica Bellucci en el rol de novia de Drácula, preludio de lo que acabaría por convertir a la bella actriz italiana en todo un icono del erotismo y la belleza en el cine. 

125. DRACULA DE BRAM STOCKER

DRACULA DE BRAM STOCKER, 1992

(BRAM STOCKER´S DRACULA) 128´                     FRANCIS FORD COPPOLA

“He cruzado océanos de tiempo para encontrarte.”

Drácula

Francis Ford Coppola transmite con sobrada literalidad el inmortal relato de Bram Stocker ofreciendo una de las películas más fieles al texto original. A su favor, el aire artesanal que respira y que inunda la película de una textura especial, una patina que ayuda a la película además a lograr mantener toda su calidad visual a pesar del transcurrir de los años.

Coppola apuesta por la historia de amor entre los personajes principales, logrando en la mayoría de ocasiones equilibrar dentro del propio relato el apartado más terrorífico con el melodramático. Así, el principal error que comete el director es el apostar por actores con tirón  comercial en el momento en que fue estrenada la película (Reeves, Ryder, Hopkins), algo que nos lleva a creer una vez vistas sus interpretaciones que posiblemente no fueran las mejores elecciones para los roles a los que se prestaron. Únicamente Gary Oldman logra componer un Drácula creíble, diferente y con fuerza.

Una estupenda traslación del papel al cine donde el estilo visual utilizado por Coppola hipnotiza con tanta fuerza que se convierte en el principal valedor de la película. Las formas en este caso han pesado sobre el fondo.

ME GUSTA: El trío de vampiresas comandadas por Monica Bellucci.

NO ME GUSTA: Le sobra un pelín de autocomplacencia.

FRASE RESUMEN: Coppola se pliega ante Stocker.

124. NO ES PAÍS PARA VIEJOS

NO ES PAIS PARA VIEJOS, 2007

(NO COUNTRY FOR OLD MEN) 122´                      ETHAN COEN/JOEL COEN

“Es un hombre peculiar, hasta diría que tiene principios que van más allá del dinero o las drogas o cualquier cosa como esa.”

Carson Wells

Los hermanos Coen no necesitan de una historia complicada para armar una película de cine negro hipnótica y que te atrapa desde su abrupto inicio. Un juego del gato y el ratón en el que se embarcan sus dos protagonistas principales, unos soberbios Josh Brolin y Javier Bardem al que parece sigue desde la lejanía un Tommy Lee Jones algo apagado.

Es por ello que cuándo el personaje al que da vida Brolin desaparece de la historia esta queda lastrada por la pérdida de una de sus patas centrales, ofreciendo un tramo final que no logra estar a la altura de todo lo que hemos estado viendo hasta entonces, y es una lástima porque la película iba embalada hacía el sobresaliente.

Una persecución sin tregua que es aprovechada por sus máximos responsables para volver sobre un género que les ha concedido sus mayores satisfacciones a nivel profesional. Con No es país para viejos vuelve a suceder.

ME GUSTA: El enfrentamiento entre los personajes de Bardem y Brolin.

NO ME GUSTA: Un final que no me encaja con todo lo que he estado viendo hasta entonces.

FRASE RESUMEN: Bardem y su asesino inmisercorde se queda en la retina.

123. LA COSA MAS DULCE

LA COSA MAS DULCE, 2002

(THE SWEETEST THING) 86´                                                  ROGER KUMBLE

“No, no puede caber aquí.”

Coro (cantando

Tontorrona película que trata de invertir el habitual rol protagonista masculino en comedias de tono grueso por un trío de personajes femeninos. Sin embargo aunque es cierto que en determinados momentos logra ser transgresora en su humor, acaba cayendo en el sempiterno cliché de chica conoce chico…

Su mayor problema sin embargo no reside en los gags, de hecho alguno de ellos conseguido, sino en una Cameron Diaz obcecada por resultar graciosa hasta la extenuación sin conseguirlo, lo que la lleva además a pasarse de frenada a la hora de interpretar su papel. En ese sentido Selma Blair si evidencia poseer una vis cómica, siendo de hecho la responsable de los mejores momentos de la cinta frente a unas Cameron Diaz y Christina Applegate que tiran una y otra vez de armas de mujer para tratar de paliar sus mayores carencias en ese sentido.

La cosa más dulce es una comedieta del montón que de haber contado con una historia menos acomplejada y con algún cambio en el elenco de actrices (lo reconozco, me sobra Cameron Diaz) hubiera podido alcanzar su objetivo de resultar irreverente.

ME GUSTA: El gag del vestido y la tintorería.

NO ME GUSTA: Thomas Jane no convence como oscuro objeto del deseo de Cameron Diaz.

FRASE RESUMEN: Un esquema de cine de tíos para tías que no se atreve a llegar hasta el final.

X GON GIVE IT TO YA

Deadpool contiene un estupendo soundtrack plagado de canciones de todo tipo, como puede ser la bella melodía Angel of the mornig que acompaña a los brutales créditos de inicio, el funky con Shoop en la escena en el interior del taxi, la balada Careless whisper para acompañar a las secuencias de amor de la película e incluso el rap  con el irreverente Deadpool rap, destacando en cualquier caso la excelente forma en que encajan todos estos temas con las diferentes secuencias a la que acompañan.

La canción elegida en esta ocasión, X gon give it to ya, data del año 2003 y es obra del rapero y actor ocasional DMX y acompaña a la grandiosa entrada en escena del grupo formado por Deadpool y sus dos acompañantes mutantes antes de iniciarse la batalla final, como no podía ser de otra manera con chiste y mirada a cámara incluida.

El tema se enmarca en el estupendo montaje con parte de lo mejor de la película obra del canal de cine en Youtube Cinema Ivis (https://www.youtube.com/channel/UCiBgiLAI6dKSxkjlV4atvTA). Disfruten de este mix de tiros, sexo, ostias y mala leche.

122. DEADPOOL

DEADPOOL,  2016

(DEADPOOL) 103´                                                                            TIM MILLER

“¿Por qué el traje rojo? Bueno, es para que los malos no me vean sangrar.”

Deadpool

Si hay que decir algo al respecto a Deadpool es alabar la valentía de sus responsables, con un Ryan Reynolds a la cabeza obsesionado con dar al personaje la película que merecía tras el fiasco de su aparición en Lobezno orígenes. Han arriesgado y nadado a contracorriente logrando sin embargo abrir la veda a un cine de superhéroes lejos de los cánones actuales y permitiendo su entrada en el cine para adultos.

Sorprende además la capacidad mostrada por un director novel como es Tim Miller para, con un presupuesto muy ajustado, ofrecer una película visualmente muy reseñable (geniales títulos de crédito iniciales incluidos), con un inteligente montaje que, iniciándose ya con el enfrentamiento abierto entre el protagonista y su némesis presenta mediante flashbacks intercalados con la acción presente el origen del personaje. También es de alabar la limpieza con la que se han filmado las coreografías de las luchas, resultando a todas luces un estupendo trabajo de presentación de su director.

Deadpool no solo rompe la cuarta pared con el espectador, hace lo propio con un género que parecía estaba anquilosado en su target de referencia y que con el éxito de esta película abre la veda para un cine más orientado al público adulto. Y eso se lo debemos al órdago que Reynolds y compañía han jugado en esta, la que posiblemente fuera para el protagonista de la cinta su última carta.

ME GUSTA: Contiene tantos gags, guiños, parodias y coñas que soporta sin problema alguno múltiples visionados.

NO ME GUSTA: Ver a una Gina Carano tan super hormonada.

FRASE RESUMEN: Cine de superhéroes con dos pelotas

121. CIUDAD DE DIOS

CIUDAD DE DIOS,  2002

(CIDADE DE DEUS) 120´                                              FERNANDO MEIRELLES

“La Favela había sido un purgatorio. Se volvió un infierno.”

Buscapé

Fernando Meirelles nos muestra con Ciudad de Dios un fresco social donde la marginalidad es la gran protagonista. La película supone un recorrido de veinte años entre delincuencia, violencia y perdición, abriendo sin embargo también una pequeña rendija a la esperanza en la figura de Buscapé, un niño obcecado por no caer en las trampas de la favela en la que está condenado a vivir.

Sorprende como su director utiliza sin ningún tipo de tapujos todo tipo de recursos cinematográficos y lo hace con una excelente adecuación a la propia historia y al estilo necesario para cada momento. No resulta en ese aspecto forzado el uso de la voz en off, de los flashbacks o del uso de la cámara en mano por poner solo unos pocos ejemplos de técnicas presentadas a lo largo de las dos horas de metraje.

Ciudad de Dios es una película difícil de digerir pero que a la vez atrapa al espectador por la inteligencia que muestra su director a la hora de contar una historia tan dura como visualmente atractiva.

 ME GUSTA: El parecido físico entre los niños que dan vida a los personajes principales y estos en su etapa juvenil, lo que enfatiza aún más el aura de realidad y verdad que impregna la cinta.

NO ME GUSTA: La anodina primera experiencia de Buscapé.

FRASE RESUMEN: Las cámaras de cine se adentran en las favelas. 

SUPER SIZE ME

La canción que cierra la primera película de Morgan Spurlock resume a la perfección todo el estilo que su director y máximo responsable ha dejado patente en su opera prima. Un tema divertido, pegadizo y con ritmo pero que va soltando perlas en forma de verdades incontestables a un estilo de vida que no es que sea malo, puede matarte.

Con un soniquete cercano al rap y un estribillo de esos que te acompañan a lo largo de los días Super Size Me es el cierre perfecto para una película que, como sucede con este canción, acaba dejando un buen sabor de boca en el espectador.

El estupendo montaje que acompaña al tema musical es obra de TibuBcn (http://www.dailymotion.com/TibuBcN).

120. SUPER SIZE ME

SUPER SIZE ME,  2004

(SUPER SIZE ME) 102´                                                     MORGAN SPURLOCK

“¿Quiere el tamaño super size?”

Dependienta

Siguiendo el estilo cercano, mordaz e irónico  pero a la vez brutalmente sincero de Michael Moore (no parece casual en este sentido la elección de Juan Carlos Gustems, doblador habitual del director de Bowling for Columbine para hacer lo mismo con Morgan Spurlock), este novel director de documentales logra armar un contundente alegato contra la comida basura y en concreto contra uno de sus mayores estandartes, la cadena McDonalds.

La película parte del experimento al que se sometió el propio Spurlock alimentándose durante un mes únicamente en locales de dicha cadena de comida rápida para ir desgranando paralelamente datos alarmantes sobre el problema de la obesidad en Estados Unidos y como gracias al mismo unas cuántas multinacionales de alimentación se hacen muy ricas.

Una película donde si bien queda patente tanto en las formas como en el resultado se trata de la primera cinta de su director, igualmente quedan de manifiesto las ganas de Spurlock por ofrecer un trabajo original, entretenido, digno y que haga pensar.

ME GUSTA: La pegadiza canción que acompaña a los títulos de crédito finales.

NO ME GUSTA: Dedica demasiado tiempo al propio experimento.

FRASE RESUMEN: Y lo peor de todo es que te dan ganas de comerte un Big Mac.

119. ROLLERBAY

ROLLERBAY,  2002

(ROLLERBAY) 93´                                                                 JOHN MCTIERNAN

“Juega bien.”

Alexis Petrovich

Un John McTiernan totalmente desganado ofrece con Rollerbay un innecesario remake que además acaba resultando insufrible por la acumulación de malas decisiones adoptadas  a lo largo de la película.

Con una historia torpemente presentada que va saltando de aquí para allí sin demasiado tino, que desaprovecha una idea central al menos interesante y unas secuencias de acción impropias de un director como McTiernan que además se rematan en la absurda decisión de ofrecer un clímax final montado a cámara lenta, la cinta da toda la sensación de haberse filmado sin ningún tipo de interés por parte de sus máximos responsables.

Si a esto añadimos un pobre diseño de producción en lo que concierne al propio juego que da nombre a la película rematado con la errónea decisión de designar al soso Chris Klein como protagonista principal, Rollerball acaba suponiendo todo  un mazazo para los que confiamos en que el director de Depredador o Jungla de cristal hiciera patente al menos parte de su talento en la película. Nos equivocamos a ese respecto.

ME GUSTA: La siempre gratificante presencia por razones diferentes de dos actores como Jean Reno y Rebecca Romijn.

NO ME GUSTA: En no pocos momentos toma al espectador por idiota.

FRASE RESUMEN: Un espectáculo desangelado.

AMOR Y OTRAS DROGAS

Amor y otras drogas es una comedia romántica que contiene a lo largo de su metraje varias escenas de sexo protagonizados por unos Jake Gyllenhaal y Anne Hathaway que por aquel entonces ya eran bastante conocidos y que se lanzaron sin pudor alguno a rodar divertidas secuencias como las que acompañan a este texto, donde la naturalidad, la frescura y el humor son las notas predominantes. Frente a otro tipo de escenas en cintas más edulcoradas y de corte más intimista y donde las parejas hacen el amor de manera apasionada y sincronizada, Amor y otras drogas apuesta por un tipo de escenas de cama más fallidas y por otro lado más cercanas a la realidad. 

118. AMOR Y OTRAS DROGAS

AMOR Y OTRAS DROGAS,  2010

(LOVE AND OTHER DRUGS) 112´                                          EDWARD ZWICK

“Pfizer apuesta por follar.”

Maggie Murdock

Edward Zwick deja de lado las historias llenas de epicidad a las que nos tenía más acostumbrados para presentarnos esta sencilla historia de amor entre un par de personajes atípicos y que se alejan de los prototipos con tendencia a una irreal perfección tan habitual en este tipo este cine, y lo hace además desarrollando paralelamente una curiosa historia que muestra el nacimiento y boom de un medicamento tan conocido y revolucionario como la Viagra.

La película logra mantener un ritmo sostenido que se hace especialmente llevadero en su primer tercio. Abunda la comedia de tono adulto y la conocida pareja protagonista logra hacerse con las riendas de la película gracias a unas interpretaciones llenas de buen rollo y complicidad.

Comedia sobre la que planea la sombra de un drama que no se convierte en tal gracias a la forma en que la pareja protagonista afronta sus problemas, especialmente en lo que se refiere al personaje al que da vida Anne Hathaway, quien logra enamorar al respetable permitiendo además a la actriz dejar de lado sus inicios como apocada jovencita de comportamiento intachable para dejar patente que se ha convertido en una mujer de armas tomar.

ME GUSTA: La naturalidad con la que la pareja protagonista afronta las escenas de sexo.

NO ME GUSTA: Se le va un poco la mano con el metraje.

FRASE RESUMEN: Una historia de amor con Viagra de por medio.

117. GLADIATOR

GLADIATOR,  2000

(GLADIATOR) 155´                                                                     RIDLEY SCOTT

“Fuerza y honor.”

Maximus

Ridley Scott recupera el género peplum y lo hace a través de una cinta que cuenta con todos los elementos para ofrecer un título para quedarse en el imaginario colectivo. Unas interpretaciones excelentes, una historia de traición y venganza, una banda sonora de Hans Zimmer que refuerza tanto la grandiosidad como los momentos intimistas de la película, una espectacularidad en la puesta en escena y en las secuencias de lucha y toneladas de frases para el recuerdo.

Y sin embargo el resultado no es sobresaliente, lo cual no quiere decir que estemos antes una mala película. Vemos así a un Scott sobrado en el apartado técnico pero que carece de la capacidad para crear una película redonda contando como hemos dicho con todos los medios a su disposición.

Una buena película que puede que en los excesos haya tenido su principal escollo. Su director aborda demasiados temas y lo hace de manera somera, lo cual nos invita a dejar de lado estas lagunas en la evolución de la historia para deleitarnos con el periclo de Maximus en busca de venganza.

ME GUSTA: A pesar de que los méritos interpretativos fueron para Russell Crowe me quedo con la lastimosa interpretación de Joaquin Phoenix.

NO ME GUSTA: Hay varios momentos en los que el director utiliza técnicas visuales que nos sacan de la película, como el momento en que Máximo es trasladado herido en el carromato con el resto de esclavos.

FRASE RESUMEN: Gladiator se mira en el espejo de cintas como Espartaco, ese es su principal pero.